Catalina Micaela por Sofonisba Anguisola

El arte es algo muy subjetivo, hay cuadros que te emocionan y otros que no.

 Quizás los que lo hacen, es porque tienen algo, alma… un alma parecida a la tuya y por eso te emocionan, te inspiran, te hacen sentir.

No siempre los cuadros de un mismo pintor me llegan al alma, pero es cierto que hay muchos de esta pintora nacida en Cremona que me apasionan. 

¿Quién es esta mujer de tez clara que nos mira de soslayo, que viste piel de lince y luce anillo de rubíes? ¿Por qué durante años se le atribuye su autoría al Greco , a Sánchez Coello y no a Sofonisba? ¿Por qué se le nombra como la dama del Armiño si es Lince lo que lleva la cuello?

No puede ser otra que la segunda hija de Felipe II e Isabel de Valois. Catalina Micaela de Austria, Duquesa de Saboya .Nació en 1567 y vivió sólo 30 años.  Fue la favorita de su padre, que durante sus ausencias , por razones de Estado, mantenía entrañables cartas con sus dos hijas. Estas cartas suponen una imagen entrañable del rey austero, religioso y rígido que su leyenda negra se encargó de divulgar. Se casó con el  apuesto Duque de Saboya  en 1585. Catalina pronto se adaptó a la nueva corte, alejada de la rígida etiqueta que imponía la monarquía española. Su marido le agasajaba con bailes, conciertos privados en su propia cámara y divertimentos de carnaval.

En diez años Catalina tuvo diez hijos. Su fecunda maternidad trajo la alegría a la corte saboyana pero fue también la razón de su fallecimiento a la temprana edad de 30 años.

Sofonisba Anguissola (Cremona, 1532-Nápoles, 1625) es otra mujer apasionante.  Cuando en 1559 llegó a la corte de Felipe II como dama de la reina Isabel de Valois, ya había realizado memorables retratos de humanistas o colegas y no cesaría de hacerlo  el resto de su vida, sin perder su estilo italiano. Nacer en el seno de una interesante familia y en una de las ciudades más creativas e intelectuales  de Europa contribuyó sin duda al éxito de esta gran artista.

Observen este cuadro. Las similitudes entre otros Anguissolas y esta pintura no radican sólo en la modelo: otros retratos de Sofonisba ( Retrato de la niña con el enano, por ejemplo) , se le parecen sobremanera, en la composición y en la realización. 

Seguir las huellas de los cuadros de esta artista es extremadamente difícil. Podemos imaginar algunos viajando en la carga que José Bonaparte sacó de España, los tesoros saqueados al Palacio Real que fueron robados en el trayecto y que arribaron por casualidad a las manos del duque de Wellington, quien tuvo la intención de devolverlos, pero el ministro de España en Inglaterra rechazó su oferta, regalándole el "botín". De cierto podemos afirmar algunas cosas: un par de las pinturas de Sofonisba entraron al Ermitage con otras pinturas españolas, donde aún permanecen. Llegan ahí de la mano del banquero Coesvelt, de Amsterdam, quien vivió en España durante la guerra de Independencia y supo aprovechar las aguas revueltas para hacerse con la colección que luego vende a Alejandro I de Rusia.

Por lo menos dos obras más de Sofonisba corrieron otra aventura azarosa. Formaron parte de la galería española de Luis Felipe en el Louvre de París, adonde llegaron ya atribuidas a otros pintores. Primero, el Retrato de una joven dama, que pasó por ser de  Moro, de Bronzino y de Sánchez Coello. Ahora podemos verla expuesta en el Museo Lázaro Galdiano con lacartela de Sonofisba. Segundo, nuestra  dama del armiño, que cosechó enorme admiración. Es curioso señalar  que las falsas atribuciones en la galería española de Luis Felipe fueron muy comentadas en su época, aunque no las referidas a Sofonisba.

Un detalle más en la admiración por éste cuadro   es que Cézanne hizo una copia muy libre (basándose a su vez en una copia, no tan libre), y llamó a El Greco "creador del arte moderno". 

Cezanne 1885

Valga recordarlo para preguntarnos: ¿cuál fue la huella de Sofonisba Anguissola en otros artistas? ¿Irritó al espíritu del XVIII y el XIX la memoria de una mujer exitosa, aristócrata, astuta, quien, desoyendo consejos y brincándose formalismos sociales, se casó a los cincuenta años con un hombre a quien le doblaba la edad, Orazio Lomellini, capitán del barco genovés que la sacó de Sicilia después de su primera viudez?¿O no quisieron que formase parte de la historia  porque su amistad con Felipe II le había ganado envidias y rencores que quisieron cobrar factura a la muerte de la artista?

Giacometti after Cezanne

¿O esa melancolía que deambula en sus lienzos le jugó la mala pasada?

Disfrútenla,  pueden admirarla en la exposición del Palaciode Santa Cruz , dedicada al Greco , que es realmente apasionante. Echen un vistazo a la cartela … y díganme porque no aprece aún su nombre en ella.

Antonello sobre fondo Azul

Quiero agradecer profundamente a mi maestra Isabel Alonso su contribución a éste artículo y en especial al comocimiento que me ha transmitido, pues siempre ha sido para mi una fuente de inspiración y de entusiasmo para adentrarme en la profundidad de las colecciones del Museo del Prado. 

El cuadro “Cristo muerto sostenido por un ángel” luce hoy espléndido en las salas de pintura veneciana, gracias a una exposición temporal que lo ha desplazado junto a Tiziano sobre el magnífico azul profundo de sus muros.

Cuenta Alejandro Dumas ( Villers-Cotterts 1802-1870 Puys) en su novela sobre las biografías de Miguel Ángel, Tiziano y Rafael,  que Antonello da Messina, a su llegada a Venecia en 1475, se envanecía atribuyéndose el descubrimiento de un milagroso modo de pintar “pintura al óleo”, que astutamente le arrebató Giovanni Bellini haciéndose pintar por él, disfranzándose para ello de noble y rico caballero, y añadía el citado biógrafo, que se envanecía Antonello sin motivo porque lo había aprendido en Flandes, de Juan de Bruges. (El uso precoz de la pintura al óleo parece que lo aprendió en Nápoles y, hoy día, se defiende que no estuvo en Flandes.  Igual error se produce en Vasari).

Antonello nace en Messina en 1430 y aprende a pintar en el taller de Colantonio en Nápoles. Aprende a pintar precozmente al modo flamenco; primero, porque en la corte de Nápoles hay pintores flamencos, y segundo, porque en el taller de Colantonio abundan los encargos de copias a obras flamencas. De la mano de tales influencias aprenderá a pintar maravillosamente los detalles de los retratos, de los paisajes y el uso de los colores brillantes. Desde Nápoles hará viajes hacía el Norte y conocerá en Roma a Piero de la Francesca y a Fray Angélico, y de su mano añadirá a su saber los aspectos humanísticos del prerrenacimiento; la perspectiva, la representación espacial del cuadro, la volumetría de las figures, las veladuras, la luz y la luminosidad de los colores. Más tarde, en Venecia, conocerá a los Bellini. En esta visita, la pintura veneciana sufre una verdadera revolución al conocer la pintura al óleo, gracias a Antonello da Messina, y este aprenderá de Giovanni Bellini (maestro de Tiziano y Giorgione), la armonía, la belleza serena del renacimiento y a pintar con mayor lirismo.

Este comentario no añade nada a cualquier apunte de texto, pero quiero partir de aquí porque quiero soñar que Antonello no llegó a Venecia envaneciéndose de tener un modo secreto de pintar inventado por él, quiero soñar que llegó a Venecia e hizo partícipes de su modo de pintar a los hermanos Bellini y quizás a su cuñado Mategna y que compartirían conocimientos reconociéndose y respetando  su mutua  grandeza. Desde esta teoría de la grandeza y, añado, de la generosidad de Antonello, quiero comentar su obra el “Cristo muerto  sostenido por un ángel” y, con carácter previo y muy sucintamente “La Annunziata” (Mus. Palermo), pintada hacía 1470.

Conocemos muchas Anunciaciones anteriores a la que pintó Antonello, exquisitas, serenas, bellísimas, sublimes, pero ninguna tan genial como la que pintó el siciliano. Retrata a la Virgen María, en un primer plano, en el momento en que se produce la anunciación. María expresa la turbación y la sorpresa del momento y avanza hacia adelante y fuera del cuadro su mano derecha. Es esa mano la que dialoga con el espectador.  El espectador de ese cuadro se encuentra entre la Virgen María y el Arcángel San Gabriel, que tendría que estar detrás de él. Es ese modo generoso de hacer partícipe de la escena al espectador,  lo que resulta  fascinante y, por ello, hipnotiza su contemplación.

El cuadro de Cristo muerto sostenido por un ángel fue pintado por Antonello después de su viaje a Venecia, a su vuelta a Messina, 1476.

El cuadro, de una exquisita composición,  presenta aspectos esenciales de la pintura italiana;  los colores luminosos y transparentes, la perspectiva,  la carnación y volumetría de las figuras,  y también elementos propios de la pintura flamenca; cierta rigidez en las vestiduras, el detallismo de los cabellos y del paisaje.

Conocemos muchos Cristos muertos, en los descendimientos, en los enterramientos, en las piedades, incluso, muertos y sostenidos por ángeles; impactantes unos, sobrecogedores otros y dramáticos casi siempre todos, pero, desde mi punto de vista, este, al igual que el anterior cuadro comentado, es absolutamente genial.

En este cuadro  aparece un Cristo muerto, de gran realismo y monumentalidad, el ángel, delicado y pequeño,  debe realizar un esfuerzo extraordinariamente voluntarioso para incorporar y sostener el cuerpo de Cristo sin vida. Todo el drama lo expresa el ángel que, con infinita dulzura, le mantiene incorporado y abrazado, pero, es más, y esto es lo grandioso, el ángel  llorando desoladamente mira y hace partícipe del drama al espectador. Cuando el espectador mira el cuadro ve, en primer lugar, el cuerpo de Cristo, que ocupa casi todo el cuadro, macilento, con las heridas del suplicio  y con la expresión de abandono y ausencia que da muerte, y después busca al ángel que le mira llorando desconsoladamente y que de forma impactante  le comunica su infinita pena. Pocos cuadros establecen un diálogo más hipnótico y abrumador con el espectador, y esto apoya mi teoría de la grandeza y la generosidad de Antonello da Messina.

Es comúnmente aceptado que este cuadro es una de las obras maestras de Antonello da Messina  y tenemos la gran fortuna de contar con él en el Museo del Prado.

5 Best Christmas Exhibits

There is too much to see and too little time in this marvelous city! These Christmas do not miss…

1.       MUSEO THYSSEN: “Cartier”. The most beautiful historic pieces of the famous French jeweler are being exhibited at the Thyssen Museum. Cartier came to fame as the “King of Jewelers” during the Belle Époque for his beautifully made diamond and platinum jewelry created for the Courts of Europe and Americans of the Gilded Age. During the Art Deco era, Cartier fashioned some spectacular pieces for celebrities of the day, from the Duchess of Windsor to Jean Cocteau. My favorite is a stripped cigarette case and a matching lighter that belonged to the sister of the present Spain’s King.

2.       FUNDACION ICO: “Ma Yansong “. The very young and award-winning architect of the ICO foundation is on exhibit. His projects are very interesting since they strength the artistic character of architecture without forgetting its sustainable social impact and the local tradition. A young artist who we will surely be talking a lot about in the XXI century.

3.       FUNDACION JUAN MARCH: “Arte británico de Holbein a Hockney”. British art is quite unknown in Spain, with one exception the Fundacion Lázaro Galdiano’s portraits collection. That’s why this exhibition demonstrates the extraordinary scope and vitality of art in Great Britain since the Protestant Reformation in the sixteenth century through present day. The idea that lies behind the exhibition is to learn what occurred in the art world in Great Britain through five centuries of British art when we enquire into where it was and is instead of what it was and is. It’s curious that a considerable number of foreign artists made Great Britain their home and their place of work. For instance, look at John Singer Sargent’s portrait of a woman.

4.       TELEFONICA: “Colección Cubista”.  The exhibition underscores the relevance of Juan Gris for Cubism, to my personal point of view more valuable than Picasso’s or Braque’s one. The artist is presented in all the diversity and complexity of his career, of his work with formats of diverse proportions and textures following his invention of plastic rhymes. Juan Gris is also the leading exponent of the new form of Cubism that emerged between 1916 and 1923.

5.       PALACIO DE CIBELES: “Casa Alba”.  Without a doubt this will be one of the major exhibitions of the year. Historically, The Dukes of Alba have been the largest art collectors after the Royal Dynasties in Spain. Their taste for art is exquisite, and their collection is wonderful, at least the minute part of it shown here. We fin Goyas’, Titians’, Ingres’, Rubens’, and Fra Angelico’s “Our Lady of Granada,” which according to the director of the MET is the painter’s best preserved work. Beyond paintings, we also have the opportunity to see incredible pieces like Christopher Columbus’ hand-written letters and the House of Alba’s Bible translated to three languages from the Hebrew Bible, held in the fifteenth century by the Jewish Rabbi Mose Arragel.

 Do not miss this unique opportunity!